lunes, 23 de octubre de 2017

Actualidad: ¡HASTA PRONTO, TOM PETTY!




       La triste noticia saltó en la madrugada del pasado 2 de octubre. Tras confusos comunicados oficiales, finalmente se confirmaba que Tom Petty fallecía a causa de un paro cardiaco a los 66 años de edad, mientras descansaba en su residencia de Santa Mónica ( California ) de la extensa gira de celebración del 40 aniversario de su primer disco de 1976, por causas naturales.

Se nos va una figura icónica de inmensa trascendencia, absolutamente admirada y reconocida en Estados Unidos, prácticamente al mismo nivel que su coetáneo Bruce Springsteen. De hecho, es muy difícil encontrar un hogar norteamericano que no tenga en su estantería alguno de sus discos. Como luego, expondré con más detenimiento, fue un auténtico héroe para la gran mayoría de sus compatriotas. Paradójicamente, quitando el Reino Unido, en algunas partes de Europa y en especial en España ( por la que nunca pasó durante su larga trayectoria) fue poco reconocido y en algunos casos, casi ignorado. Aún recuerdo caras de asombro o velada burla cuando hablaba a algunos con pasión de él. En julio de este 2017, estuvo actuando en Hyde Park ( Londres) y muchos españoles se desplazaron hasta allá, volviendo según la mayoría “en una nube”. Dado lo complicado que era poder verle en directo, incluso en Europa, en mi caso ( aun sabiéndolo con tiempo) tenía claro que no podía dejar escapar esta oportunidad, pero el tiempo pasó y como suele ocurrir a veces, las inoportunas circunstancias, me privaron de estar allí. Ingenuamente pensaba que podría darse alguna nueva ocasión….y de repente, ocurre esto.

Todo un golpe bajo del que aprender.

En este año y medio largo se nos están yendo leyendas irremplazables en un tiempo casi récord, que sin duda nos dejan en un mundo más mediocre y menos feliz. Lo que más fastidia es ver que se están yendo demasiado pronto, teniendo en cuenta la media de mortalidad en la que nos encontramos en pleno siglo XXI, y por causas naturales. Nada que ver con las muertes asociadas a los excesos o las drogas que tanto han contribuido a crear cierta leyenda maldita a la música contemporánea y al rock en particular. Algo que felizmente, forma parte del pasado, pues hoy en día los músicos ( sobre todo con cierta edad) se cuidan muchísimo, si quieren soportar las gigantescas giras a la que se ven abocados por motivos relacionados con la nueva realidad de la industria musical,como ya se ha comentado por aquí.

A continuación intentaré sintetizar, en especial para aquellas personas que no hayan dado con este fabricante de sueños envueltos en melodías mágicas, lo que significó y aportó al mundo este “artistazo” sin igual.

Sólo advertir que las oraciones que aparecen entre comillas, se corresponden con la traducción al español de algunos de sus míticos temas, con la intención de darle en este sentido homenaje de despedida una “cierta poética” que sin duda merece.

Los que amamos la música desde que teníamos uso de razón, siempre identificamos a esta con los sueños. Quien no de los que se pasan por este rincón, ha cerrado sus ojos fuertemente cuando era adolescente aferrándose a una melodía, letra, acordes o voz y se ha dejado llevar por el dulce impulso de la huida del mundo real buscando refugio en aquello que en esos momentos nos hacía felices, “aprendiendo a volar”.

Este deseo mágico que sólo la música o el rock puede transformar, manteniéndolo en el tiempo, no es algo que nosotros secretamente supiésemos. Es tan viejo como la propia raza humana. Era algo que sabía Elvis, Bowie y tantísimos otros y por supuesto, era algo que sabía de manera muy especial nuestro querido y desaparecido Tom Petty. Sus canciones estaban diseñadas perfectamente para eso. Algo que le salvó la vida cuando era un niño que creció en un entorno familiar inestable, por culpa ( al parecer) de su mediocre y autoritario padre.

Tras su encuentro personal con Elvis a sus 11 años, en 1961, mientras el rey estaba rodando un film cerca de donde vivía, su fascinación alcanzó tanta intensidad que desde ese momento tuvo bien claro que aquello era a lo que se iba a consagrar en cuerpo y alma para el resto de sus días.

Aderezado con Bob Dylan y The Beattles principalmente, el pequeño rubio natural de Gainesville ( Florida) empezó a orquestar un futuro, una vida entregado a lo que mejor supo aprender, hacer que la magia sonora se aliase a los sueños de todos los que le rodeaban, devolviendo así todo lo que ésta le había dado. Supo entender y meterse en cada uno de nosotros y diseccionar como pocos la compleja y siempre volátil alma humana. Junto algunos de su generación, en especial, Bruce Springsteen o John Mellencamp, supo calar inmediatamente en la audiencia norteamericana, incluso antes que el gran referente del país( Bruce ) en una época, finales de los 70,s en que las ruinas demoledoras de la era Nixon, Vietnam y el Watergate, exhortaban a gritos un salvador espiritual. Alguien que expresase los más íntimos pensamientos y emociones del malherido pueblo americano, como los que proclama la protagonista de su gran himno “American girl”, esa mezcla de deseos de escapar y la impotencia de no poder conseguirlo, pero sí de anhelarlos y hacerlos suyos aunque la propia vida fuese en ello. Inmediatamente su éxito llegó al Reino Unido en plena era del punk, porque sí, de alguna manera ese torrente emocional de inconformismo e imbatible anhelo le hacía al modo americano, sin pretenderlo, también un pelín “punk”. Algo inédito por aquellos tiempos para un artista debutante americano, con una propuesta tan propia de su país.

Petty nos susurraba al oído que todos éramos unos “refugiados” y que “incluso los perdedores tienen suerte alguna vez” en momentos en que nadie era capaz de llegar a lo más profundo de tí y tirar hacia arriba, él lo conseguía. Nos emocionaba con sus himnos impregnados de ese genuino sonido americano, tan propio del ambiguo sueño americano, del que él si supo sacar el lado positivo, para a modo de empatía terapéutica, muchos tuviesen claro que no estaban solos o eran unos incomprendidos. Con obras maestras como “Echo” o “Wildflowers”, en la que entre muchos temas, te decía bien claro en “Wake up time”, que era hora de despertar, abrir los ojos y venirse arriba, aunque el largo y tortuoso camino no hubiese sido precisamente fácil. Pocos o casi nadie consiguió eso de la manera tan dulce y especial que él pudo a través de esa misma clase de música. Canciones, melodías llenas de optimismo, de calado emocional y de inmediata empatía, aunque te confesara que “la espera siempre es la parte más difícil”, merecía la pena esperar.
Gracias por tu energía y tus promesas de sueños infinitos.
Descansa en paz.
“Runnin down a dream”.

Para ilustrar lo comentado, intentaremos ( si Youtube, lo permite) combinar el antes aludido “American girl”, donde nos cuenta el triste desenlace de una chica de un pueblo americano que anhelaba a toda costa escapar de su triste realidad, consiguiéndolo o no ( spoiler)
Con temas como este con protagonistas femeninos, se ganó inmediatamente el aprecio y devoción de las féminas. A continuación, intentaremos poner “Even the losers ( get lucky sometimes)”, con imágenes de su primera época con su grupo los “heartbreakers” ( ironías del destino)
No quiero pasar por alto, el “supergrupo” que formó junto a colosos como Bob Dylan, Roy Orbison, George Harrison y Jeff Lynne ( “Traveling Wilburys”) a finales de los 80,s, donde él era el miembro más joven y se “cascaron” dos “discazos” épicos, congeniando a la perfección, divirtiéndose de manera natural mientras componían y graban. Pinchando aquí , podemos disfrutar de “Handle with care”, con imágenes de los cinco componentes disfrutando de ese mágico encuentro.

Por último, para ilustrar el enorme impacto e importancia que Tom Petty tuvo en USA, pinchando aquí , podemos ver antes del comienzo de un partido de la NFL ( liga de football americano) en casa de su tierra, los “Florida Gators”, cómo le dedican un sentido homenaje. 90 mil gargantas entonan su “I won,t back down” antes del comienzo del partido, en un estadio “ a reventar”, mientras el marcador muestra imágenes de su héroe caído. Ese cariño no sólo responde a lo comentado, si no que se añade el hecho de que era una persona con un talante y gestos humanitarios enormes, como se puede leer en las diferentes muestras de aprecio que por twitter le dedicaron destacadas figuras de la música.

Si alguien que lea esto, no ha dado aún con esta enorme figura, puede empezar a tomar contacto con el típico recopilatorio, que en este caso puedo asegurar que es una apuesta segura y que más de uno/a caerá rendido/a ante su música y su magia tan especial de inmediato. Garantizado.

jueves, 14 de septiembre de 2017

Actualidad: Alice Cooper





       ¡Qué gran noticia, sin duda! El veterano e incombustible Alice vuelve con nuevo disco bajo el brazo, el vigésimo séptimo largo ( ahí es nada) a sus 69 primaveras.

Su nuevo trabajo “Paranormal” es un buen disco. Sin buscar ningún “hit”, mantiene la esencia de su autor, siendo un regalo quizás perfilado para sus fans de siempre.

En mi opinión, el disco confirma la buena forma en la que se encuentra en estos últimos 15 años, algo que quizás, pocos de su generación pueden decir. Sin llegar quizás al nivel de su “Dirty Diamonds” (2005) que me pareció un “discazo sublime”, con una colección diversa de canciones de un enorme nivel de las que permanecen atrapadas en tu mente durante mucho tiempo, y más cercano al otro gran disco que manufacturó en 2008, “Along came a spider”, sin olvidar el “Welcome 2 my nightmare”(2011), este último vuelve a confirmar el nivel y estado de forma en el que se encuentra este enorme “artistazo”.

Aunque ya se sabe que su fuerte es el directo, para todos aquellos que aún no le hayan podido disfrutar en vivo, que no dejen escapar la oportunidad si ésta se presenta.

En mi caso, tras ser fan desde la adolescencia, no pude verle en directo hasta el 2005 ( casi 16 años después). Tuve la suerte de que fuera en una sala de conciertos pequeña con no más de 3000 personas ( en Pamplona) algo que hoyen día es difícil que se vuelva a repetir, si no es en un “macrofestival” multitudinario o en un gran recinto “ a reventar”. La industria musical se ha tenido que adaptar a las nuevas situaciones de los nuevos tiempos. Volví a repetir en 2009. Sin lugar a dudas fue una experiencia que jamás olvidaré. Diría que después de Bowie, y respetando muchísimo a colosales figuras como Neil Young, Dylan o incluso Bruce, Kiss, The Who,etc….es el artista que más ganas te produce ver y con el que más se puede disfrutar sobre un escenario, no sólo por su famosa puesta en escena teatral, siniestra, propia del “horror/shock rock”, sino por la excelencia y el nivel del repertorio de canciones que suele ofrecer en su set-list. Otra cosa que sorprende es el nivel de entrega física que ofrece en sus 2 ó más horas de concierto, más si tenemos en cuenta la edad con la que cuenta este icono del rock, con casi 50 años de carrera ya a sus espaldas.

En principio, no hay fechas para España en esta gira de presentación de su último disco. Como se ha dejado sugerir anteriormente, la industria musical al bajar tanto los beneficios obtenidos por la venta de discos, se ha tenido que ver abocada a una especie de “puja” por los grandes grupos o artistas en directo, que intentando no alargar mucho sus giras, se hacen más selectivos y al final van donde más se les ofrece ( sea conciertos o festivales) y en ese terreno España por razones económicas y culturales ( menor tradición y nivel de asistencia que en otros grandes países) en los últimos años, salvo excepciones, no parece salir bien parada. Incluso, si te planteas hacer un viaje rápido e ir a verle a Londres, ya se encuentra todo agotado ( lo dicho, son muchos años y décadas de ventaja, entre otros muchos factores)

Volviendo para acabar, con el último disco, decir que básicamente es un disco que suena a Alice Cooper por los cuatro costados. El sonido es básicamente “hard-rock”, con algunos toques o riffs guitarreros que le acercan al “heavy-rock”, en la mayoría trazados por la excelente guitarrista Nita Strauss, la que podemos disfrutar en un directo de este año junto a Alice, cumpliendo perfectamente el papel de “hard rockera”, en el video de cabecera.

Como en sus últimos discos comentados antes, no falta nunca el ya habitual tema clásico melódico, más cercano al pop, siempre lleno de energía y buenas sensaciones. Así como en sus anteriores trabajos lo fueron “Six hours” o “Killed by love”, en este nuevo disco lo encontraríamos en “The sound of A”, como otros tantísimos “temazos” de ese corte que nos ha ido regalando a lo largo de su carrera, lo que le confiere un punto más elegante y distintivo, que redondea con un aurea de mayor grandeza y sutileza tanto su música como su propia mitología.

Antes de acabar, no quiero pasar por alto que aparte de la 10 canciones que conforman el disco, ha grabado otras dos reuniendo a 3 miembros de la siempre adulada banda que le acompañó a lo largo de sus mejores años ( el primer lustro de los 70,s) En concreto, “Genuine American Girl” y “You and All of your friends”. A parte, el disco se completa con seis versiones clásicas en directo interpretadas por el propio Alice a lo largo de su extensa carrera.

En definitiva, un gran motivo de alegría que este genio, que recordemos llegó a impresionar y atraer la amistad y complicidad del propio Salvador Dalí a principios de su carrera esté de vuelta. Esperemos verle en nuestro país, a poder ser no demasiado tarde.

Dejamos como video de cabecera, unas imágenes de la gira de Alice de este verano en Los Ángeles con una espectacular exhibición de Nita Strauss, acabando con su hit "Poison" ( qué recuerdos de nuestros últimos años de instituto) Pese a que la imagen y el sonido no es muy bueno, merece la pena disfrutarlo.

lunes, 14 de agosto de 2017

Actualidad: Queens Of Stone Age









           Durante estos últimos meses, se han producido varios lanzamientos o retornos de bandas legendarias que bien merecerían hacerse eco en este blog. Por ejemplo el retorno de la veterana e icónica “Blondie”, con nuestra siempre admirada Debbie Harry a sus 72 años al frente, o el retorno de un grupo tan querido y especial como Afghan Wihgs entre otros, pero finalmente hemos decidido mostrar por primera vez aquí en los ya casi 5 años de este blog un grupo de la talla e importancia en los últimos tiempos de la de “Queens of Stone age” que presentarán su séptimo disco en estudio el 25 de agosto de este 2017.

QOTSA ( como también se les conoce) es un grupo  californiano( Desert Palm)que surge de las cenizas de los legendarios “Kyuss”, pioneros de lo que se dio en llamar “stoner rock” o “desert rock”, tirando hacia el metal o el hard rock. Un sonido muy particular, con una contundencia y potencia muy especial y hasta la fecha única. El grupo se disuelve en 1996, tras 5 años y 4 discos en el camino. A partir de ahí sus miembros toman distintos rumbos formando distintas bandas, siendo “Fu manchu” el heredero más significativo del sonido puramente “stoner”.

Tras varias intervenciones en otras bandas e intentos de consolidar una nueva, su “front-man” Josh Homme impulsa el nacimiento de QOTSA en 1998. En esos comienzos se lanzan bajo un sello independiente y tienen un éxito relativo en la escena de rock alternativo.

Con la aparición de su segundo disco “Songs for the deaf” (2002) contando con la colaboración de Dave Grohl, consiguen ya un éxito definitivo a nivel internacional, que se ve más afianzado con el siguiente lanzamiento “ Lullabies for paralyze” ( 2005). El estilo sigue la senda del stoner rock y hard rock al que progresivamente van añadiendo más elementos diversos y eclécticos. De hecho en sus siguientes trabajos , en especial “Eva Vulgaris” ( 2007) arriesgan muchísimo experimentando constantemente con sonidos y grabaciones difíciles en sus primeras escuchas, que le acercan a estilos difíciles de definir, pero que para la mayoría de seguidores y críticos consiguieron salir más que airosos, como lo demuestra su último disco de 2013, “….Like clockwork”, aunque también es cierto que en opinión de otros la banda perdió un poco el norte. Sea como fuere, se han ganado una reputación de grupo que hace una música fresca, novedosa, imprevisible y de calidad, que ha conseguido ser apreciada por multitud de personas en todo el mundo, hasta el punto de consolidarse ya como una banda de prestigio, sin perder ese capacidad o interés creciente por experimentar e ir siempre un poco más lejos.

Antes de terminar, reseñar que el antes aludido Josh Homme, se involucra constantemente en proyectos paralelos. Los más destacados son su integración en “The eagles of death metal”,  cuya fama se expandió a raíz del triste atentado en la famosa sala de conciertos de París, perpetuado por radicales e integristas islámicos, en noviembre de 2015 y que dio la vuelta al mundo entero. Por cierto el famoso canal “netflix” está a punto de estrenar un documental sobre la tragedia cuyo tráiler podéis ver pinchando aquí, donde aparte de documentar los sucesos, narra la valiente vuelta del grupo 3 meses después de la tragedia donde murieron 89 personas para acabar el concierto brutalmente interrumpido, como así prometieron, ante una sala abarrotada y con un ambiente intenso lleno de esperanza, emoción y entereza, así como con ganas de honrar la memoria de los fallecidos.
Señalar por último que el propio Josh Homme, fue el que animó a Iggy pop a sacar su último disco de 2016, captando el sonido “Sub-pop” de su etapa berlinesa acompañado en aquella por su fiel amigo Bowie, cuyo disco tuvo la “macabra” coincidencia de ver la luz justo un mes después de la muerte del duque blanco.

Para ilustrar la esencia de lo que son QOTSA, me he decidido por combinar en el video de cabecera uno de mis temas preferidos “Littel sister” (2005) con el single de adelanto de su inminente disco “The way you used to do” ( 2017), que al no tener video original, podemos disfrutarlo en un directo reciente de la banda y que se puede escuchar en el actualizado play-list de este blog.

Actualidad: Cabezafuego





           Este “fenómeno” con el que me topé por pura casualidad hace muy poco, merece sin lugar a dudas ,que aparezca por este rincón ante su fascinante y particular segundo lanzamiento discográfico, que entre otras peculiaridades cuenta con un trabajadísimo “vinilo- comic” ( o “tebeo”, como él prefiere llamarlo) que merece ser comprado sin dudarlo, no sólo por eso si no por su personal y arriesgada música, a mi gusto fresca y novedosa, cuyas letras e historias ( ilustradas en dicho “tebeo”) son grandiosas y no tienen desperdicio.

Íñigo Garcés es un músico navarro ( o pamplonica) que ha pasado más de 20 años por distintas bandas básicamente de rock, tocando diversos estilos como el “stoner” entro otros.

Según recientes entrevistas, el protagonista lleno de cinismo irónico, comenta que está ya harto de intentar hacer discos de rock,n,roll al estilo anglosajón, sin quedar nunca satisfecho, por lo que esta vez ha decidido salirse por la tangente, haciendo algo cuanto más “loco” mejor. Después de tocar en esas bandas importantes de la zona, en 2014 decide seguir su carrera en solitario como “Cabezafuego” con su primer disco “Camina conmigo”. Este año 2017, decide arriesgar y romper todos los moldes. Según sus palabras, “A estas alturas, en este disco he hecho sin más lo que me apetecía, lo que me salía de dentro. No pretendo hacer un disco de rock,n,roll, ni de pop, ni de nada, sólo experimentar y hacer la música que en este momento tengo la necesidad de hacer. No es un disco que suene a rock,n, roll, pero lo es en claramente en su espíritu.”

En relación al título “Somos droga”, comenta que aparte de ser todos química y pudiendo interpretarse como formas de alienación de las que todos de alguna manera formamos parte, prefiere que sean los demás los que lo interpreten a su manera. Según él no ha pretendido darle un trasfondo filosófico, ni trascender a nada. Simplemente se le ocurrió así sin más. Para hacernos una idea de lo particular, llamativo y a mi entender “bizarramente “ brillante del protagonista, nada mejor que acceder a una entrevista que intercala con alguna canción del disco pinchando aquí , como podemos comprobar no sólo pretende reírse de sí mismo ( como así afirma) sino que en mi opinión es una brillante propuesta basada en una mezcla de humor del absurdo y locura surrealista, sutil, lúcida y afilada como una navaja.

En lo musical me cautivó en seguida este disco por la mezcla increíble de estilos, sonidos, tradición, transgresión, fiel reflejo del mundo interior de este entrañable ser.  Esto se echaba en falta, sobre todo en España. Esas ganas de hacer que el talento discurra por donde sea, improvisando, con ese buen humor y “mala baba” al mismo tiempo. Pretendiéndolo o no, su música suena fresca, impactante y atrevida. Esto queda bien reflejado en sus increíbles y “cachondísimas” letras, repletas de frases e ideas mordaces, críticas e ingeniosas. Cada una cuenta una historia que se ve ilustrada a su  vez dentro del propio “tebeo”, consiguiendo en su conjunto un trabajo conceptual.

Como ejemplo de gran historia “inventada” con una divertidísima letra se ha escogido para cerrar el nuevo play-list, “El suplente de los minutos basura.” Algo que aparte de arrancarte una sonrisa, suena muy bien y dice cosas interesantes, con su habitual doble sentido del humor. Escuchadla porque no tiene desperdicio.

En este “disco-tebeo”, han participado importantes autores gráficos de cómic, consiguiendo en esa combinación con la música, un vinilo al que apetece enseguida “hincarle el diente”, como veremos en el primero de los 2 videos ensamblados que hemos escogido en la cabecera de presentación. En el siguiente el surrealismo más alocado se hace patente en un video-clip grabado por una excelente diseñadora gráfica ( Beatriz Sánchez) con la que según él, sintonizan a la primera y con la que espera trabajar hasta que se “aburra de él” . El tema del video es “Caramelos 6 de julio”, y es impactante e imprescindible para “calar” hasta el fondo a este gran personaje.

Resumiendo, como él mismo diría, lo mejor es dejar de lado interpretaciones “sesudas” y búsquedas de trasfondos racionales y disponerse relajadamente a disfrutar de la ironía y particular visión de la vida de este navarro, que ahora sí, parece ir a por todas. Y por su puesto, lo más importante, de las ilustraciones y de su música.


Actualidad: The Strypes



         De nuevo, tenemos aquí a esta excepcional y talentosa banda irlandesa, por tercera vez ( batiendo récords) con motivo de su tercer nuevo lanzamiento discográfico.
Aquel cuarteto de adolescentes con edades comprendidas entre los 15 y 17 años, que apabullaron y llamaron la atención de muchas leyendas del rock y la música contemporánea, con aquel pepinazo de debut que tenía por título “Snapshot” (2013), en cuatro años se nos han hecho adultos de 20-22 años. No sólo han cambiado físicamente, como podremos ver en los videos de cabecera, sino lo más importante, musicalmente.

Antes de nada, me gustaría expresar mi extrañeza e incomprensión en lo relativo a todo lo que conlleva y acompaña a este grupo.

Te podrá, como todo gustar más o menos, o directamente no decirte nada en absoluto.
Pero no logro entender como una banda con tantísimo e indiscutible talento, que ha despertado la atención y recibido el apoyo inmediato de titanes como Roger Daltrey, Paul Weller, Elthon John o Jeff Beck entre otros,  así como algunos de los mejores productores del planeta  y que tal como están las cosas , han conseguido a las primeras de cambio fichar por la “todopoderosa” Virgin- Emi records, apenas se encuentren referencias suyas en prensa especializada, muy lejos del gran reconocimiento que se produjo con su disco de debut. De hecho en el propio Reino Unido, estos dos últimos álbumes parecen no haber hecho apenas ningún ruido. Se supone, que con el respaldo y medios con los que cuentan ( sólo hace falta escuchar su impecable producción sonora, así como la calidad visual de sus videos) su enorme sello discográfico no los mueva y promocione más. Quizás, en este tercer disco, pudiésemos encontrar la clave, porque igual no van en el mismo sentido que quisiera “La Virgin-Emi”.

El hecho es que es un grupo que parece claro que no acaba de llegar del todo a la gente, como en mi modesta opinión claramente merecen por su espectacular talento melódico e instrumental, más si le sumamos su corta edad.

En ese sentido pueden considerarse unos privilegiados, ya que prácticamente el resto de grandes bandas o artistas se editan los discos como pueden, pese a su enorme calidad ( caso de Ty Segall, por ejemplo)

Tras un apabullante y frenético primer disco de versiones rhythm,n blues y “garageras” ( que sí despertó cierto revuelo- menos del que merecían en mi opinión) en 2015 sacan su segundo disco,”Little Victories”, donde por un lado consiguen dar el definitivo gran paso, al componer sus propios temas, pero también es verdad que se notó “la mano” de la discográfica intentando acercarles a un sonido que pudiese vender más como “indie-rock/blues” ( lo más rentable actualmente)
En esta tercera entrega me da la sensación tras su escucha, de una cierta “rebelión”, una especie del típico “tira y afloja” giro o cambio entre artistas y discográfica.

Y en esa pequeña lucha, creo que han conseguido salir más o menos victoriosos.
El disco, supone un tercer paso más, algo más difícil ( no reservado para muchos) como es un cambio de estilo o golpe de timón. Puede que haya influido mucho la colaboración que su guitarrista Josh McClorey tuvo en el último disco de Paul Weller ( el frontman de la legendaria banda de “punk-mod” The Jam), ya que como podemos apreciar nada más arrancar el disco suena el tema escogido en el primer video de cabecera y en el play-list “Behind closed doors”, un giño a Weller y a la escen a”post-punk” o mejor dicho “new wave” de principios de los 80,s. A parte podemos encontrar temas que ahondan en estilos totalmente diversos, incluso volviendo a sus orígenes. Da igual, porque como podemos apreciar en el segundo video ensamblado con el primero, de título “Great expectations”, sonando más a power-pop clásico, el buen gusto, la elegancia y la facilidad con que se desenvuelven y consiguen llegar es nuevamente apabullante. Como siempre dije de ellos, asustan…y conseguir eso en su tercer disco cambiando y sorprendiendo de nuevo, insisto es digno de mucho más reconocimiento.


En fin, como aquí siempre parece que vamos “a la contra”, sin ser un grandísimo fan de esta joven banda, muestro mi apoyo total para que sigan creciendo en todos los sentidos y se les preste un poco más de la atención, que en mi opinión claramente merecen.

domingo, 13 de agosto de 2017

40 AÑOS DE LA MUERTE DEL REY ( ELVIS )






             Muy a menudo crecemos rodeados de iconos antiguos, que aun formando parte de la cultura popular contemporánea, por quedarnos muy alejados quizás en el tiempo, los vemos y los aceptamos como símbolos clásicos prefabricados, mercantilizados y rodeados de estereotipos y clichés generalistas, que hace que los pasemos por alto, sin ningún interés por profundizar en ellos. Ejemplos en la música o en el cine de los años 50,s claramente serían Elvis Presley, Frank Sinatra, James Dean o Marilyn Monroe.

Hasta que el día menos inesperado te topas con alguien o algo que te suscita interés y de repente salta la chispa mágica que te hace profundizar o ahondar en un personaje o leyenda apasionante con su correspondiente historia que te atrapa y cambia tu perspectiva para siempre.
Entre los citados, eso mismo me ocurrió a mí con Elvis, hace no mucho ( osea, tarde)
Es de esos colosos legendarios del anterior siglo XX, en el que tras la enorme parafernalia mitológica que envuelve su vida y obra, te encuentras con una historia más sencilla, humana y cercana que hace que te intereses más si cabe por la persona que por el mito del personaje.

Y con eso me voy a quedar en este modesto tributo, después de que el pasado 16 de agosto se cumpliesen 40 años de su muerte.

La historia de un joven ( Elvis Aaron Presley) que crece en una familia pobre instalada en Tupelo (Mississippi) con enormes dificultades para salir día a día. Se mudan cuando él cumple 13 años a Memphis (Tennesssee). Desde su infancia aprende a cantar y se empapa de música “negra” como góspel o blues, a la par que de la entonces entendida como para “blancos” hillbilly o country. De adolescente, el joven Elvis pese a su timidez, empieza a vestir de manera diferente al resto, siempre acompañado de una vieja guitarra. Al cumplir los 18 años, consigue a duras penas juntar 4 dólares para grabar en Sun Records, una canción para el cumpleaños de su madre en un single de la época. Pero ese muchacho era especial, tenía en su eterna sonrisa y mirada de soñador esa estrella que auguraba que algún día iba hacer algo más que grande, y vaya si lo hizo. Lo cambió todo radicalmente.

Ese mismo chico tras presentarse a varias pruebas y ser rechazado, en una una sesión de improvisación en Sun Records, consiguió aunar sus influencias provenientes de la música negra y blanca, aumentando el ritmo. Lo llevaba dentro. Pocos artistas habrán existido con tanta pasión dentro por la música, algo que nunca perdió, y que a la postre, le costó su propia vida.
Mientras, Elvis y otros cuantos estaban haciendo estallar la magia del rock,n,roll que impregnó a toda una generación de jóvenes de una actitud, rebeldía y sana insolencia muy necesaria para la estricta y  conservadora sociedad del momento. Al ser la imagen blanca del rock, la controversia le persigue. Primero el éxito, luego la locura, sus escandaloso movimientos de caderas y su ritmo endiablado le es censurado, prohibido, incluso judicialmente. Es considerado en los estados más rancios y conservadores como obsceno indecente e incitador…”algo propio de negros” se llegó a decir. ¿Increible, verdad?...hablamos de 1956-57. Pinchando aquí , podemos apreciar una de esas míticas exhibiciones en directo con su “Hound dog”. Al final, tuvo que ceder y en televisión o en vivo sólo se emitían imágenes de cintura para arriba o directamente se le prohibía mover las piernas.

Posteriormente, su popularidad alcanza tal nivel que tuvo que dar su palabra y firmar con un siniestro manager llamado Coronel Parker, cuya insaciable avaricia acabó por exprimir al mito y lo más importante, a la persona.

Los 60,s son duros. Su servicio militar en Alemania. Cuando vuelve, realiza varias películas de baja calidad, mientras se ve desplazado por la “British Invasion” de los Beattles a la cabeza. Ya no parece haber mercado para él.

Luego el retorno, en 1968, enfundado en cuero. Por fin, los 70,s una época maravillosa, el rey había vuelto. Pero, sobre todo a raíz de su divorcio con Priscila en 1972 y la asfixiante e inhumana agenda a la que el coronel Parker le sometía sin descanso ( hasta sesiones dobles de programación) hizo que con los años sus problemas de salud aumentaran. Sus médicos personales le recetaban cualquier cosa para que Elvis continuase. Cantidades industriales de pastillas para dormir, activarse para volver al escenario en pocas horas, antidepresivos, adelgazantes… No hay organismo humano que aguantase ese ritmo. Nadie, o pocos le propusieron seriamente que parase. Aun así, él quería seguir. Dentro de la tristeza y el vacío de sus últimos años y días, salir al escenario era lo único que le hacía feliz. Siempre sonriente y profesional, apenas canceló ningún concierto. Lo último era decepcionar a su público.

Hasta que un 16 de agosto de 1977, a sus sólo 42 años, su cuerpo dijo…”¡Basta!”
Lo más impresionante para mí de Elvis, dejando a un lado las malas jugadas y excentricidades propias de la megalomanía que rodea a todas las estrellas, siempre fue su bondad y su enorme corazón. En el fondo nunca dejó de ser ese muchacho soñador, inquieto y simpático. Nunca escatimó una sonrisa, autógrafo o foto con ninguno de sus fans, donaba enormes cantidades de dinero o directamente lo gastaba en regalos para sus allegados. Fue una persona, honesta, generosa y con múltiples gestos humanitarios. Como digo, creo que nunca olvidó a ese muchacho pobre que creció en Tupelo. De alguna forma, siempre lo llevó dentro.

Por todo eso y lo que supuso, siempre será el rey.

Dejamos en el video de cabecera 2 temas de su etapa de retorno de los 70,s con esa vestimenta estilo “karateka” ( al que era aficionado)
En primer lugar “Burning love” ( todo un temazo) para continuar con “Suspicious mind”, donde podemos ver cómo lo daba todo, moviéndose frenéticamente en el escenario hasta la extenuación. Así día tras día, mes a mes….

miércoles, 19 de abril de 2017

Actualidad: Chuck Berry



La noticia no nos ha cogido por sorpresa, pero no por ello no ha dejado de suponer un golpe con cierto aire de tristeza y de nostalgia empapado de alegre y merecido reconocimiento.
Como sabemos el pasado 18 de marzo, el gran Chuck Berry nos dejó a sus 90 años de edad. Debido a la llamativa longevidad de este decisivo pionero del rock, la noticia tarde o temprano era de esperar. Y más que tristeza lo que se ha producido en este último mes es un repaso merecido con todo tipo de homenajes y tributos a la larga historia, significado e influencia de uno de los padres definitivos del rock,n,roll .


Como expusimos en el reciente comentario del último disco de los Rolling Stones, que habían vuelto a su influencia esencial del Blues de Chicago, en concreto de artistas pertenecientes a la entonces compañía “Chess Records” ( que como dijimos, fue la primera discográfica capitaneada por un blanco e integrada por músicos negros, que por aquella se hacía llamar “música racial”, en los primeros años de la década de los 50,s- ver el film “Cadillac Records”) a mediados de esa década ficha por esa compañía un nuevo miembro con una música acelerada e incisiva, diferente a la ya existente “blusera”, que por aquella, junto a otros artistas empezaba a dinamitar y revolucionarlo todo con el nombre que el mítico dj radiofónico Alan Fredd dio en llamar “rock,n,roll”. Este nuevo personaje era nuestro homenajeado Chuck Berry.


Aunque antes, ya había participado en alguna banda de rhytm and blues, es a partir del mítico año 1955, cuando la convergencia en ese período de tiempo  con otros artistas, músicos y algún estreno cinematográfico, instalaron definitivamente el comienzo de la era del rock,n,roll que ha llegado prácticamente hasta nuestros días, transmutándose en distintos estilos o subgéneros.


Para no dispersarnos demasiado prefiero no entrar en cuestiones historiográficas de si estilos de años y décadas anteriores como el Swing, el booguie-wooguie, el propio R&B, se anticiparon en muchos aspectos al r,n,roll. Así que tomemos ese mágico año de 1955 como referencia para situarnos y viajar unos minutos en el tiempo hasta llegar a esa apasionante era.


Cuando hablamos de padres del rock,n,roll, a parte de Chuck Berry, no podemos olvidarnos en especial de Little Richard y Jerry Lee Lewis. Los tres eran auténticos torbellinos incendiarios sobre el escenario, sólo que a diferencia de Berry, los dos anteriores lo eran usando el piano, y en el caso añadido de Little Richard su endiablada forma de tocar el saxo como acompañamiento al teclado.
Elvis, pondría la imagen, la actitud, el carisma y el magnetismo definitivamente distintivo, a modo de icono único e irrepetible.


Pero a Chuck Berry si podríamos otorgarle el mérito de ser “el padre guitarrista” del rock,n,roll tal como se concibió a partir de entonces.
Su forma de contar historias casi cinematográficas a un ritmo endiablado que conseguía trasladar y encajar  a la perfección  a su forma punzante, concisa y afilada de tocar esos riffs de guitarra, consiguiendo que en su conjunto sonase con una solidez y aplomo electrificante y abrumador, hicieron de él un mito, el primer referente guitarrista “rocker”, cuyo estilo y repertorio supusiese casi el paso inicial obligatorio para cualquier chaval que empezara a tocar una guitarra eléctrica.
De hecho, visto desde la perspectiva actual, ha sido el artista en solitario más versionado e influyente a lo largo de la historia, sea cual fuese el estilo o género musical. Lo han versionado desde “rockers”,“mods”, “heavies”, “punks”, garageros, “indie-rockers” ( desde Lennon, pasando por Bruce Springsteen, Bowie, Jonathan Richman, Ronnie Lane, Sex Pistols, AC/DC, Judas Priest….) podríamos casi asegurar que prácticamente todos los que vendrían después.


Incluso podríamos afirmar que de alguna forma pudo influir en el propio Bob Dylan ( en su etapa rockera adolescente) en cuanto a la forma de introducir y narrar historias en sus canciones, aunque él luego lo llevase por otros terrenos y lo transformase aún más y más.
Pero como diría John Lennon, que veía a Chuck Berry como una figura religiosa, fue el primero en hacer esas letras y describir esas historias, generalmente llenas de ironías y fábulas contagiosas llenas de alegría y buen humor.


No podemos olvidar, uno de sus rasgos más característicos. Su famoso “baile del pato o de la oca”, saltando sobre una pierna flexionada, mientras se desplazaba con la otra estirada a la par que tocaba un riff o un solo de guitarra. Algo que siguió haciendo con el paso del tiempo, pese a la edad. La última vez que se dejó ver en España en 2007, con 80 años, así lo hizo ( dentro de sus limitaciones, claro.) Si pensamos en Angus Young (AC/DC) tocando la guitarra, su movimiento es genuino y auténtico Chuck Berry, por poner un ejemplo de entre los muchos imitadores.


Personalmente, cuando pienso o veo algún video del bueno de “Chucky”, lo que me transmite es alegría, entusiasmo, felicidad y energía, junto a ese pelín de “golfillo” que fue a lo largo de toda su vida, sobre todo con el tema de las chicas. Esa sonrisa facilona, ese eterno gesto de “pillín”, nunca le abandonó sobre los escenarios. Incluso se muestra presente siendo un octogenario.
Se nos va uno de los padres de nuestra querida música, aunque en junio se espera un disco póstumo, cuyo single de adelanto “Big Boys” se podrá encontrar en este blog encabezando dentro de un par de meses el reactualizado y habitual play-list.


Pensemos que aún quedan vivos tanto Jerry Lee Lewis, como el colosal Little Richard, que rondan casi la edad del malogrado Berry.


Casi un milagro. Quizás en esas ganas de vivir, intensidad y alegría perpetua de estos fenómenos se encuentre la explicación al elixir de esa “eterna juventud”.
Para intentar plasmar lo que supuso este coloso, me he inclinado por combinar lo obvio ( dirigido a alguna persona que aún no hubiese dado con este titán) como es su tema más famoso y más versionado, “Johnny be good”, que aun siendo de 1958, aquí va a aparecer en la mitad de los 70,s interpretando este tema con uno de sus más fieles seguidores ( un nervioso John Lennon), para pasar a disfrutar de una “delicatessen”…David Bowie, cerrando uno de sus últimos conciertos de la mítica gira de “Ziggy Stardust”, interpretando “Round and Round” de Berry, como cierre final a la etapa y al personaje de Ziggy en Londres,1973. Se cuenta que en principio Bowie quería introducir este tema en el histórico álbum, pero finalmente lo sustituyo por la inolvidable “Suffragette city”.


Aquí aparece despidiéndose para siempre del público como “Ziggy” acompañado para la ocasión de otro de los discípulos aventajados de Chuck, el guitarrista “Jeff Beck”. Ambos videos podemos disfrutarlos ensamblados como video de presentación.


Finalmente, para demostrar una vez más la influencia del rock en el cine y viceversa en los últimos 60 años, pinchando aquí podemos disfrutar de su “You never can tell ” que aparece en la famosa secuencia del baile entre Uma Thurman y John Travolta cuyo tema de Chuck Berry escogió Tarantino para ese clásico contemporáneo que es ya “Pulp Fiction”.


Estas letras van dedicadas a  mi amigo Jesús Vicente ( alias, “Chus Berry”) como muestra de agradecimiento por darme a conocer en profundidad, hace ya tiempo, a este inigualable artista.


Gracias por los buenos momentos.

R.I.P, Chuck Berry.