jueves, 14 de septiembre de 2017

Actualidad: ALICE COOPER - Poison





       ¡Qué gran noticia, sin duda! El veterano e incombustible Alice vuelve con nuevo disco bajo el brazo, el vigésimo séptimo largo ( ahí es nada) a sus 69 primaveras.

Su nuevo trabajo “Paranormal” es un buen disco. Sin buscar ningún “hit”, mantiene la esencia de su autor, siendo un regalo quizás perfilado para sus fans de siempre.

En mi opinión, el disco confirma la buena forma en la que se encuentra en estos últimos 15 años, algo que quizás, pocos de su generación pueden decir. Sin llegar quizás al nivel de su “Dirty Diamonds” (2005) que me pareció un “discazo sublime”, con una colección diversa de canciones de un enorme nivel de las que permanecen atrapadas en tu mente durante mucho tiempo, y más cercano al otro gran disco que manufacturó en 2008, “Along came a spider”, sin olvidar el “Welcome 2 my nightmare”(2011), este último vuelve a confirmar el nivel y estado de forma en el que se encuentra este enorme “artistazo”.

Aunque ya se sabe que su fuerte es el directo, para todos aquellos que aún no le hayan podido disfrutar en vivo, que no dejen escapar la oportunidad si ésta se presenta.

En mi caso, tras ser fan desde la adolescencia, no pude verle en directo hasta el 2005 ( casi 16 años después). Tuve la suerte de que fuera en una sala de conciertos pequeña con no más de 3000 personas ( en Pamplona) algo que hoyen día es difícil que se vuelva a repetir, si no es en un “macrofestival” multitudinario o en un gran recinto “ a reventar”. La industria musical se ha tenido que adaptar a las nuevas situaciones de los nuevos tiempos. Volví a repetir en 2009. Sin lugar a dudas fue una experiencia que jamás olvidaré. Diría que después de Bowie, y respetando muchísimo a colosales figuras como Neil Young, Dylan o incluso Bruce, Kiss, The Who,etc….es el artista que más ganas te produce ver y con el que más se puede disfrutar sobre un escenario, no sólo por su famosa puesta en escena teatral, siniestra, propia del “horror/shock rock”, sino por la excelencia y el nivel del repertorio de canciones que suele ofrecer en su set-list. Otra cosa que sorprende es el nivel de entrega física que ofrece en sus 2 ó más horas de concierto, más si tenemos en cuenta la edad con la que cuenta este icono del rock, con casi 50 años de carrera ya a sus espaldas.

En principio, no hay fechas para España en esta gira de presentación de su último disco. Como se ha dejado sugerir anteriormente, la industria musical al bajar tanto los beneficios obtenidos por la venta de discos, se ha tenido que ver abocada a una especie de “puja” por los grandes grupos o artistas en directo, que intentando no alargar mucho sus giras, se hacen más selectivos y al final van donde más se les ofrece ( sea conciertos o festivales) y en ese terreno España por razones económicas y culturales ( menor tradición y nivel de asistencia que en otros grandes países) en los últimos años, salvo excepciones, no parece salir bien parada. Incluso, si te planteas hacer un viaje rápido e ir a verle a Londres, ya se encuentra todo agotado ( lo dicho, son muchos años y décadas de ventaja, entre otros muchos factores)

Volviendo para acabar, con el último disco, decir que básicamente es un disco que suena a Alice Cooper por los cuatro costados. El sonido es básicamente “hard-rock”, con algunos toques o riffs guitarreros que le acercan al “heavy-rock”, en la mayoría trazados por la excelente guitarrista Nita Strauss, la que podemos disfrutar en un directo de este año junto a Alice, cumpliendo perfectamente el papel de “hard rockera”, en el video de cabecera.

Como en sus últimos discos comentados antes, no falta nunca el ya habitual tema clásico melódico, más cercano al pop, siempre lleno de energía y buenas sensaciones. Así como en sus anteriores trabajos lo fueron “Six hours” o “Killed by love”, en este nuevo disco lo encontraríamos en “The sound of A”, como otros tantísimos “temazos” de ese corte que nos ha ido regalando a lo largo de su carrera, lo que le confiere un punto más elegante y distintivo, que redondea con un aurea de mayor grandeza y sutileza tanto su música como su propia mitología.

Antes de acabar, no quiero pasar por alto que aparte de la 10 canciones que conforman el disco, ha grabado otras dos reuniendo a 3 miembros de la siempre adulada banda que le acompañó a lo largo de sus mejores años ( el primer lustro de los 70,s) En concreto, “Genuine American Girl” y “You and All of your friends”. A parte, el disco se completa con seis versiones clásicas en directo interpretadas por el propio Alice a lo largo de su extensa carrera.

En definitiva, un gran motivo de alegría que este genio, que recordemos llegó a impresionar y atraer la amistad y complicidad del propio Salvador Dalí a principios de su carrera esté de vuelta. Esperemos verle en nuestro país, a poder ser no demasiado tarde.

Dejamos como video de cabecera, unas imágenes de la gira de Alice de este verano en Los Ángeles con una espectacular exhibición de Nita Strauss, acabando con su hit "Poison" ( qué recuerdos de nuestros últimos años de instituto) Pese a que la imagen y el sonido no es muy bueno, merece la pena disfrutarlo.

lunes, 14 de agosto de 2017

Actualidad: Queens Of Stone Age









           Durante estos últimos meses, se han producido varios lanzamientos o retornos de bandas legendarias que bien merecerían hacerse eco en este blog. Por ejemplo el retorno de la veterana e icónica “Blondie”, con nuestra siempre admirada Debbie Harry a sus 72 años al frente, o el retorno de un grupo tan querido y especial como Afghan Wihgs entre otros, pero finalmente hemos decidido mostrar por primera vez aquí en los ya casi 5 años de este blog un grupo de la talla e importancia en los últimos tiempos de la de “Queens of Stone age” que presentarán su séptimo disco en estudio el 25 de agosto de este 2017.

QOTSA ( como también se les conoce) es un grupo  californiano( Desert Palm)que surge de las cenizas de los legendarios “Kyuss”, pioneros de lo que se dio en llamar “stoner rock” o “desert rock”, tirando hacia el metal o el hard rock. Un sonido muy particular, con una contundencia y potencia muy especial y hasta la fecha única. El grupo se disuelve en 1996, tras 5 años y 4 discos en el camino. A partir de ahí sus miembros toman distintos rumbos formando distintas bandas, siendo “Fu manchu” el heredero más significativo del sonido puramente “stoner”.

Tras varias intervenciones en otras bandas e intentos de consolidar una nueva, su “front-man” Josh Homme impulsa el nacimiento de QOTSA en 1998. En esos comienzos se lanzan bajo un sello independiente y tienen un éxito relativo en la escena de rock alternativo.

Con la aparición de su segundo disco “Songs for the deaf” (2002) contando con la colaboración de Dave Grohl, consiguen ya un éxito definitivo a nivel internacional, que se ve más afianzado con el siguiente lanzamiento “ Lullabies for paralyze” ( 2005). El estilo sigue la senda del stoner rock y hard rock al que progresivamente van añadiendo más elementos diversos y eclécticos. De hecho en sus siguientes trabajos , en especial “Eva Vulgaris” ( 2007) arriesgan muchísimo experimentando constantemente con sonidos y grabaciones difíciles en sus primeras escuchas, que le acercan a estilos difíciles de definir, pero que para la mayoría de seguidores y críticos consiguieron salir más que airosos, como lo demuestra su último disco de 2013, “….Like clockwork”, aunque también es cierto que en opinión de otros la banda perdió un poco el norte. Sea como fuere, se han ganado una reputación de grupo que hace una música fresca, novedosa, imprevisible y de calidad, que ha conseguido ser apreciada por multitud de personas en todo el mundo, hasta el punto de consolidarse ya como una banda de prestigio, sin perder ese capacidad o interés creciente por experimentar e ir siempre un poco más lejos.

Antes de terminar, reseñar que el antes aludido Josh Homme, se involucra constantemente en proyectos paralelos. Los más destacados son su integración en “The eagles of death metal”,  cuya fama se expandió a raíz del triste atentado en la famosa sala de conciertos de París, perpetuado por radicales e integristas islámicos, en noviembre de 2015 y que dio la vuelta al mundo entero. Por cierto el famoso canal “netflix” está a punto de estrenar un documental sobre la tragedia cuyo tráiler podéis ver pinchando aquí, donde aparte de documentar los sucesos, narra la valiente vuelta del grupo 3 meses después de la tragedia donde murieron 89 personas para acabar el concierto brutalmente interrumpido, como así prometieron, ante una sala abarrotada y con un ambiente intenso lleno de esperanza, emoción y entereza, así como con ganas de honrar la memoria de los fallecidos.
Señalar por último que el propio Josh Homme, fue el que animó a Iggy pop a sacar su último disco de 2016, captando el sonido “Sub-pop” de su etapa berlinesa acompañado en aquella por su fiel amigo Bowie, cuyo disco tuvo la “macabra” coincidencia de ver la luz justo un mes después de la muerte del duque blanco.

Para ilustrar la esencia de lo que son QOTSA, me he decidido por combinar en el video de cabecera uno de mis temas preferidos “Littel sister” (2005) con el single de adelanto de su inminente disco “The way you used to do” ( 2017), que al no tener video original, podemos disfrutarlo en un directo reciente de la banda y que se puede escuchar en el actualizado play-list de este blog.

Actualidad: Cabezafuego





           Este “fenómeno” con el que me topé por pura casualidad hace muy poco, merece sin lugar a dudas ,que aparezca por este rincón ante su fascinante y particular segundo lanzamiento discográfico, que entre otras peculiaridades cuenta con un trabajadísimo “vinilo- comic” ( o “tebeo”, como él prefiere llamarlo) que merece ser comprado sin dudarlo, no sólo por eso si no por su personal y arriesgada música, a mi gusto fresca y novedosa, cuyas letras e historias ( ilustradas en dicho “tebeo”) son grandiosas y no tienen desperdicio.

Íñigo Garcés es un músico navarro ( o pamplonica) que ha pasado más de 20 años por distintas bandas básicamente de rock, tocando diversos estilos como el “stoner” entro otros.

Según recientes entrevistas, el protagonista lleno de cinismo irónico, comenta que está ya harto de intentar hacer discos de rock,n,roll al estilo anglosajón, sin quedar nunca satisfecho, por lo que esta vez ha decidido salirse por la tangente, haciendo algo cuanto más “loco” mejor. Después de tocar en esas bandas importantes de la zona, en 2014 decide seguir su carrera en solitario como “Cabezafuego” con su primer disco “Camina conmigo”. Este año 2017, decide arriesgar y romper todos los moldes. Según sus palabras, “A estas alturas, en este disco he hecho sin más lo que me apetecía, lo que me salía de dentro. No pretendo hacer un disco de rock,n,roll, ni de pop, ni de nada, sólo experimentar y hacer la música que en este momento tengo la necesidad de hacer. No es un disco que suene a rock,n, roll, pero lo es en claramente en su espíritu.”

En relación al título “Somos droga”, comenta que aparte de ser todos química y pudiendo interpretarse como formas de alienación de las que todos de alguna manera formamos parte, prefiere que sean los demás los que lo interpreten a su manera. Según él no ha pretendido darle un trasfondo filosófico, ni trascender a nada. Simplemente se le ocurrió así sin más. Para hacernos una idea de lo particular, llamativo y a mi entender “bizarramente “ brillante del protagonista, nada mejor que acceder a una entrevista que intercala con alguna canción del disco pinchando aquí , como podemos comprobar no sólo pretende reírse de sí mismo ( como así afirma) sino que en mi opinión es una brillante propuesta basada en una mezcla de humor del absurdo y locura surrealista, sutil, lúcida y afilada como una navaja.

En lo musical me cautivó en seguida este disco por la mezcla increíble de estilos, sonidos, tradición, transgresión, fiel reflejo del mundo interior de este entrañable ser.  Esto se echaba en falta, sobre todo en España. Esas ganas de hacer que el talento discurra por donde sea, improvisando, con ese buen humor y “mala baba” al mismo tiempo. Pretendiéndolo o no, su música suena fresca, impactante y atrevida. Esto queda bien reflejado en sus increíbles y “cachondísimas” letras, repletas de frases e ideas mordaces, críticas e ingeniosas. Cada una cuenta una historia que se ve ilustrada a su  vez dentro del propio “tebeo”, consiguiendo en su conjunto un trabajo conceptual.

Como ejemplo de gran historia “inventada” con una divertidísima letra se ha escogido para cerrar el nuevo play-list, “El suplente de los minutos basura.” Algo que aparte de arrancarte una sonrisa, suena muy bien y dice cosas interesantes, con su habitual doble sentido del humor. Escuchadla porque no tiene desperdicio.

En este “disco-tebeo”, han participado importantes autores gráficos de cómic, consiguiendo en esa combinación con la música, un vinilo al que apetece enseguida “hincarle el diente”, como veremos en el primero de los 2 videos ensamblados que hemos escogido en la cabecera de presentación. En el siguiente el surrealismo más alocado se hace patente en un video-clip grabado por una excelente diseñadora gráfica ( Beatriz Sánchez) con la que según él, sintonizan a la primera y con la que espera trabajar hasta que se “aburra de él” . El tema del video es “Caramelos 6 de julio”, y es impactante e imprescindible para “calar” hasta el fondo a este gran personaje.

Resumiendo, como él mismo diría, lo mejor es dejar de lado interpretaciones “sesudas” y búsquedas de trasfondos racionales y disponerse relajadamente a disfrutar de la ironía y particular visión de la vida de este navarro, que ahora sí, parece ir a por todas. Y por su puesto, lo más importante, de las ilustraciones y de su música.


Actualidad: The Strypes



         De nuevo, tenemos aquí a esta excepcional y talentosa banda irlandesa, por tercera vez ( batiendo récords) con motivo de su tercer nuevo lanzamiento discográfico.
Aquel cuarteto de adolescentes con edades comprendidas entre los 15 y 17 años, que apabullaron y llamaron la atención de muchas leyendas del rock y la música contemporánea, con aquel pepinazo de debut que tenía por título “Snapshot” (2013), en cuatro años se nos han hecho adultos de 20-22 años. No sólo han cambiado físicamente, como podremos ver en los videos de cabecera, sino lo más importante, musicalmente.

Antes de nada, me gustaría expresar mi extrañeza e incomprensión en lo relativo a todo lo que conlleva y acompaña a este grupo.

Te podrá, como todo gustar más o menos, o directamente no decirte nada en absoluto.
Pero no logro entender como una banda con tantísimo e indiscutible talento, que ha despertado la atención y recibido el apoyo inmediato de titanes como Roger Daltrey, Paul Weller, Elthon John o Jeff Beck entre otros,  así como algunos de los mejores productores del planeta  y que tal como están las cosas , han conseguido a las primeras de cambio fichar por la “todopoderosa” Virgin- Emi records, apenas se encuentren referencias suyas en prensa especializada, muy lejos del gran reconocimiento que se produjo con su disco de debut. De hecho en el propio Reino Unido, estos dos últimos álbumes parecen no haber hecho apenas ningún ruido. Se supone, que con el respaldo y medios con los que cuentan ( sólo hace falta escuchar su impecable producción sonora, así como la calidad visual de sus videos) su enorme sello discográfico no los mueva y promocione más. Quizás, en este tercer disco, pudiésemos encontrar la clave, porque igual no van en el mismo sentido que quisiera “La Virgin-Emi”.

El hecho es que es un grupo que parece claro que no acaba de llegar del todo a la gente, como en mi modesta opinión claramente merecen por su espectacular talento melódico e instrumental, más si le sumamos su corta edad.

En ese sentido pueden considerarse unos privilegiados, ya que prácticamente el resto de grandes bandas o artistas se editan los discos como pueden, pese a su enorme calidad ( caso de Ty Segall, por ejemplo)

Tras un apabullante y frenético primer disco de versiones rhythm,n blues y “garageras” ( que sí despertó cierto revuelo- menos del que merecían en mi opinión) en 2015 sacan su segundo disco,”Little Victories”, donde por un lado consiguen dar el definitivo gran paso, al componer sus propios temas, pero también es verdad que se notó “la mano” de la discográfica intentando acercarles a un sonido que pudiese vender más como “indie-rock/blues” ( lo más rentable actualmente)
En esta tercera entrega me da la sensación tras su escucha, de una cierta “rebelión”, una especie del típico “tira y afloja” giro o cambio entre artistas y discográfica.

Y en esa pequeña lucha, creo que han conseguido salir más o menos victoriosos.
El disco, supone un tercer paso más, algo más difícil ( no reservado para muchos) como es un cambio de estilo o golpe de timón. Puede que haya influido mucho la colaboración que su guitarrista Josh McClorey tuvo en el último disco de Paul Weller ( el frontman de la legendaria banda de “punk-mod” The Jam), ya que como podemos apreciar nada más arrancar el disco suena el tema escogido en el primer video de cabecera y en el play-list “Behind closed doors”, un giño a Weller y a la escen a”post-punk” o mejor dicho “new wave” de principios de los 80,s. A parte podemos encontrar temas que ahondan en estilos totalmente diversos, incluso volviendo a sus orígenes. Da igual, porque como podemos apreciar en el segundo video ensamblado con el primero, de título “Great expectations”, sonando más a power-pop clásico, el buen gusto, la elegancia y la facilidad con que se desenvuelven y consiguen llegar es nuevamente apabullante. Como siempre dije de ellos, asustan…y conseguir eso en su tercer disco cambiando y sorprendiendo de nuevo, insisto es digno de mucho más reconocimiento.


En fin, como aquí siempre parece que vamos “a la contra”, sin ser un grandísimo fan de esta joven banda, muestro mi apoyo total para que sigan creciendo en todos los sentidos y se les preste un poco más de la atención, que en mi opinión claramente merecen.

domingo, 13 de agosto de 2017

40 AÑOS DE LA MUERTE DEL REY ( ELVIS )






             Muy a menudo crecemos rodeados de iconos antiguos, que aun formando parte de la cultura popular contemporánea, por quedarnos muy alejados quizás en el tiempo, los vemos y los aceptamos como símbolos clásicos prefabricados, mercantilizados y rodeados de estereotipos y clichés generalistas, que hace que los pasemos por alto, sin ningún interés por profundizar en ellos. Ejemplos en la música o en el cine de los años 50,s claramente serían Elvis Presley, Frank Sinatra, James Dean o Marilyn Monroe.

Hasta que el día menos inesperado te topas con alguien o algo que te suscita interés y de repente salta la chispa mágica que te hace profundizar o ahondar en un personaje o leyenda apasionante con su correspondiente historia que te atrapa y cambia tu perspectiva para siempre.
Entre los citados, eso mismo me ocurrió a mí con Elvis, hace no mucho ( osea, tarde)
Es de esos colosos legendarios del anterior siglo XX, en el que tras la enorme parafernalia mitológica que envuelve su vida y obra, te encuentras con una historia más sencilla, humana y cercana que hace que te intereses más si cabe por la persona que por el mito del personaje.

Y con eso me voy a quedar en este modesto tributo, después de que el pasado 16 de agosto se cumpliesen 40 años de su muerte.

La historia de un joven ( Elvis Aaron Presley) que crece en una familia pobre instalada en Tupelo (Mississippi) con enormes dificultades para salir día a día. Se mudan cuando él cumple 13 años a Memphis (Tennesssee). Desde su infancia aprende a cantar y se empapa de música “negra” como góspel o blues, a la par que de la entonces entendida como para “blancos” hillbilly o country. De adolescente, el joven Elvis pese a su timidez, empieza a vestir de manera diferente al resto, siempre acompañado de una vieja guitarra. Al cumplir los 18 años, consigue a duras penas juntar 4 dólares para grabar en Sun Records, una canción para el cumpleaños de su madre en un single de la época. Pero ese muchacho era especial, tenía en su eterna sonrisa y mirada de soñador esa estrella que auguraba que algún día iba hacer algo más que grande, y vaya si lo hizo. Lo cambió todo radicalmente.

Ese mismo chico tras presentarse a varias pruebas y ser rechazado, en una una sesión de improvisación en Sun Records, consiguió aunar sus influencias provenientes de la música negra y blanca, aumentando el ritmo. Lo llevaba dentro. Pocos artistas habrán existido con tanta pasión dentro por la música, algo que nunca perdió, y que a la postre, le costó su propia vida.
Mientras, Elvis y otros cuantos estaban haciendo estallar la magia del rock,n,roll que impregnó a toda una generación de jóvenes de una actitud, rebeldía y sana insolencia muy necesaria para la estricta y  conservadora sociedad del momento. Al ser la imagen blanca del rock, la controversia le persigue. Primero el éxito, luego la locura, sus escandaloso movimientos de caderas y su ritmo endiablado le es censurado, prohibido, incluso judicialmente. Es considerado en los estados más rancios y conservadores como obsceno indecente e incitador…”algo propio de negros” se llegó a decir. ¿Increible, verdad?...hablamos de 1956-57. Pinchando aquí , podemos apreciar una de esas míticas exhibiciones en directo con su “Hound dog”. Al final, tuvo que ceder y en televisión o en vivo sólo se emitían imágenes de cintura para arriba o directamente se le prohibía mover las piernas.

Posteriormente, su popularidad alcanza tal nivel que tuvo que dar su palabra y firmar con un siniestro manager llamado Coronel Parker, cuya insaciable avaricia acabó por exprimir al mito y lo más importante, a la persona.

Los 60,s son duros. Su servicio militar en Alemania. Cuando vuelve, realiza varias películas de baja calidad, mientras se ve desplazado por la “British Invasion” de los Beattles a la cabeza. Ya no parece haber mercado para él.

Luego el retorno, en 1968, enfundado en cuero. Por fin, los 70,s una época maravillosa, el rey había vuelto. Pero, sobre todo a raíz de su divorcio con Priscila en 1972 y la asfixiante e inhumana agenda a la que el coronel Parker le sometía sin descanso ( hasta sesiones dobles de programación) hizo que con los años sus problemas de salud aumentaran. Sus médicos personales le recetaban cualquier cosa para que Elvis continuase. Cantidades industriales de pastillas para dormir, activarse para volver al escenario en pocas horas, antidepresivos, adelgazantes… No hay organismo humano que aguantase ese ritmo. Nadie, o pocos le propusieron seriamente que parase. Aun así, él quería seguir. Dentro de la tristeza y el vacío de sus últimos años y días, salir al escenario era lo único que le hacía feliz. Siempre sonriente y profesional, apenas canceló ningún concierto. Lo último era decepcionar a su público.

Hasta que un 16 de agosto de 1977, a sus sólo 42 años, su cuerpo dijo…”¡Basta!”
Lo más impresionante para mí de Elvis, dejando a un lado las malas jugadas y excentricidades propias de la megalomanía que rodea a todas las estrellas, siempre fue su bondad y su enorme corazón. En el fondo nunca dejó de ser ese muchacho soñador, inquieto y simpático. Nunca escatimó una sonrisa, autógrafo o foto con ninguno de sus fans, donaba enormes cantidades de dinero o directamente lo gastaba en regalos para sus allegados. Fue una persona, honesta, generosa y con múltiples gestos humanitarios. Como digo, creo que nunca olvidó a ese muchacho pobre que creció en Tupelo. De alguna forma, siempre lo llevó dentro.

Por todo eso y lo que supuso, siempre será el rey.

Dejamos en el video de cabecera 2 temas de su etapa de retorno de los 70,s con esa vestimenta estilo “karateka” ( al que era aficionado)
En primer lugar “Burning love” ( todo un temazo) para continuar con “Suspicious mind”, donde podemos ver cómo lo daba todo, moviéndose frenéticamente en el escenario hasta la extenuación. Así día tras día, mes a mes….

miércoles, 19 de abril de 2017

Actualidad: Chuck Berry



La noticia no nos ha cogido por sorpresa, pero no por ello no ha dejado de suponer un golpe con cierto aire de tristeza y de nostalgia empapado de alegre y merecido reconocimiento.
Como sabemos el pasado 18 de marzo, el gran Chuck Berry nos dejó a sus 90 años de edad. Debido a la llamativa longevidad de este decisivo pionero del rock, la noticia tarde o temprano era de esperar. Y más que tristeza lo que se ha producido en este último mes es un repaso merecido con todo tipo de homenajes y tributos a la larga historia, significado e influencia de uno de los padres definitivos del rock,n,roll .


Como expusimos en el reciente comentario del último disco de los Rolling Stones, que habían vuelto a su influencia esencial del Blues de Chicago, en concreto de artistas pertenecientes a la entonces compañía “Chess Records” ( que como dijimos, fue la primera discográfica capitaneada por un blanco e integrada por músicos negros, que por aquella se hacía llamar “música racial”, en los primeros años de la década de los 50,s- ver el film “Cadillac Records”) a mediados de esa década ficha por esa compañía un nuevo miembro con una música acelerada e incisiva, diferente a la ya existente “blusera”, que por aquella, junto a otros artistas empezaba a dinamitar y revolucionarlo todo con el nombre que el mítico dj radiofónico Alan Fredd dio en llamar “rock,n,roll”. Este nuevo personaje era nuestro homenajeado Chuck Berry.


Aunque antes, ya había participado en alguna banda de rhytm and blues, es a partir del mítico año 1955, cuando la convergencia en ese período de tiempo  con otros artistas, músicos y algún estreno cinematográfico, instalaron definitivamente el comienzo de la era del rock,n,roll que ha llegado prácticamente hasta nuestros días, transmutándose en distintos estilos o subgéneros.


Para no dispersarnos demasiado prefiero no entrar en cuestiones historiográficas de si estilos de años y décadas anteriores como el Swing, el booguie-wooguie, el propio R&B, se anticiparon en muchos aspectos al r,n,roll. Así que tomemos ese mágico año de 1955 como referencia para situarnos y viajar unos minutos en el tiempo hasta llegar a esa apasionante era.


Cuando hablamos de padres del rock,n,roll, a parte de Chuck Berry, no podemos olvidarnos en especial de Little Richard y Jerry Lee Lewis. Los tres eran auténticos torbellinos incendiarios sobre el escenario, sólo que a diferencia de Berry, los dos anteriores lo eran usando el piano, y en el caso añadido de Little Richard su endiablada forma de tocar el saxo como acompañamiento al teclado.
Elvis, pondría la imagen, la actitud, el carisma y el magnetismo definitivamente distintivo, a modo de icono único e irrepetible.


Pero a Chuck Berry si podríamos otorgarle el mérito de ser “el padre guitarrista” del rock,n,roll tal como se concibió a partir de entonces.
Su forma de contar historias casi cinematográficas a un ritmo endiablado que conseguía trasladar y encajar  a la perfección  a su forma punzante, concisa y afilada de tocar esos riffs de guitarra, consiguiendo que en su conjunto sonase con una solidez y aplomo electrificante y abrumador, hicieron de él un mito, el primer referente guitarrista “rocker”, cuyo estilo y repertorio supusiese casi el paso inicial obligatorio para cualquier chaval que empezara a tocar una guitarra eléctrica.
De hecho, visto desde la perspectiva actual, ha sido el artista en solitario más versionado e influyente a lo largo de la historia, sea cual fuese el estilo o género musical. Lo han versionado desde “rockers”,“mods”, “heavies”, “punks”, garageros, “indie-rockers” ( desde Lennon, pasando por Bruce Springsteen, Bowie, Jonathan Richman, Ronnie Lane, Sex Pistols, AC/DC, Judas Priest….) podríamos casi asegurar que prácticamente todos los que vendrían después.


Incluso podríamos afirmar que de alguna forma pudo influir en el propio Bob Dylan ( en su etapa rockera adolescente) en cuanto a la forma de introducir y narrar historias en sus canciones, aunque él luego lo llevase por otros terrenos y lo transformase aún más y más.
Pero como diría John Lennon, que veía a Chuck Berry como una figura religiosa, fue el primero en hacer esas letras y describir esas historias, generalmente llenas de ironías y fábulas contagiosas llenas de alegría y buen humor.


No podemos olvidar, uno de sus rasgos más característicos. Su famoso “baile del pato o de la oca”, saltando sobre una pierna flexionada, mientras se desplazaba con la otra estirada a la par que tocaba un riff o un solo de guitarra. Algo que siguió haciendo con el paso del tiempo, pese a la edad. La última vez que se dejó ver en España en 2007, con 80 años, así lo hizo ( dentro de sus limitaciones, claro.) Si pensamos en Angus Young (AC/DC) tocando la guitarra, su movimiento es genuino y auténtico Chuck Berry, por poner un ejemplo de entre los muchos imitadores.


Personalmente, cuando pienso o veo algún video del bueno de “Chucky”, lo que me transmite es alegría, entusiasmo, felicidad y energía, junto a ese pelín de “golfillo” que fue a lo largo de toda su vida, sobre todo con el tema de las chicas. Esa sonrisa facilona, ese eterno gesto de “pillín”, nunca le abandonó sobre los escenarios. Incluso se muestra presente siendo un octogenario.
Se nos va uno de los padres de nuestra querida música, aunque en junio se espera un disco póstumo, cuyo single de adelanto “Big Boys” se podrá encontrar en este blog encabezando dentro de un par de meses el reactualizado y habitual play-list.


Pensemos que aún quedan vivos tanto Jerry Lee Lewis, como el colosal Little Richard, que rondan casi la edad del malogrado Berry.


Casi un milagro. Quizás en esas ganas de vivir, intensidad y alegría perpetua de estos fenómenos se encuentre la explicación al elixir de esa “eterna juventud”.
Para intentar plasmar lo que supuso este coloso, me he inclinado por combinar lo obvio ( dirigido a alguna persona que aún no hubiese dado con este titán) como es su tema más famoso y más versionado, “Johnny be good”, que aun siendo de 1958, aquí va a aparecer en la mitad de los 70,s interpretando este tema con uno de sus más fieles seguidores ( un nervioso John Lennon), para pasar a disfrutar de una “delicatessen”…David Bowie, cerrando uno de sus últimos conciertos de la mítica gira de “Ziggy Stardust”, interpretando “Round and Round” de Berry, como cierre final a la etapa y al personaje de Ziggy en Londres,1973. Se cuenta que en principio Bowie quería introducir este tema en el histórico álbum, pero finalmente lo sustituyo por la inolvidable “Suffragette city”.


Aquí aparece despidiéndose para siempre del público como “Ziggy” acompañado para la ocasión de otro de los discípulos aventajados de Chuck, el guitarrista “Jeff Beck”. Ambos videos podemos disfrutarlos ensamblados como video de presentación.


Finalmente, para demostrar una vez más la influencia del rock en el cine y viceversa en los últimos 60 años, pinchando aquí podemos disfrutar de su “You never can tell ” que aparece en la famosa secuencia del baile entre Uma Thurman y John Travolta cuyo tema de Chuck Berry escogió Tarantino para ese clásico contemporáneo que es ya “Pulp Fiction”.


Estas letras van dedicadas a  mi amigo Jesús Vicente ( alias, “Chus Berry”) como muestra de agradecimiento por darme a conocer en profundidad, hace ya tiempo, a este inigualable artista.


Gracias por los buenos momentos.

R.I.P, Chuck Berry.

domingo, 5 de marzo de 2017

Actualidad: Bob Dylan

 



Sin duda era una deuda pendiente imperdonable. Tras más de cuatro años de vida de este blog, hemos escrito y hablado de decenas de bandas y artistas. Algunos de ellos, de los más importantes e influyentes de la historia ( desde Elvis, Bowie, Alice Cooper, Bruce, James Brown, Rory Gallagher, Joan Jett pasando por The Who, Kiss, Sonic Youth, Redd Kross, hasta llegar a más contemporáneos como PJ Harvey) pero ya era hora de rendir tributo al maestro de maestros, al genio de Minnesota, al único e irrepetible Robert Zimmerman ( alias, Bob Dylan)

En el homenaje póstumo dedicado a Prince, recuerdo haber escrito que "GENIO" era una palabra que solemos todos utilizar aleatoriamente muy a la ligera, cuando es algo que por definición debería aplicarse a aquellas personas que rompiendo moldes,  crean y reinventan todo de la nada. Construyendo nuevas formas e ideas que marcan un nuevo camino a seguir que sirve de estela para muchos otros. Gente con un don sobrenatural y una sobredotación absolutamente extraordinaria.

El motivo de que aprovechemos la ocasión de saldar esta pendiente deuda, viene como anillo al dedo en clave de actualidad, porque como ya conocemos el pasado mes de diciembre se le ha concedido por fin el premio nobel de literatura a sus 75 años, tras llevar sonando en varias ocasiones para dicho galardón. Como cabía esperar esta noticia ha levantado ampollas entre los círculos literarios  más académicos, ortodoxos y elitistas. Aunque también es cierto que en los no tanto. No quisiera entrar en esta polémica, sobre la cual se han derramado ríos de tinta. Sólo apuntar que la academia expuso textualmente que el motivo del premio más importante del mundo se le otorgaba al bueno de Bobby por; " haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense." Nada que añadir.

Otro de los motivos, en principio el más importante para mí de que Bob Dylan aparezca en este apartado de actualidad, es que en el finalizado 2016 se cumplieron 50 años de su famoso concierto de Londres de 1966 ( el último que daría tras su retiro posterior de los escenarios durante 8 años)y que pasó a la historia porque Dylan se "electrificó". Es decir, pasó de ser un músico folk con su guitarra acústica a un artista rock que tocaba la guitarra eléctrica como empezaban a hacer la inmensa mayoría de músicos por aquella época. Como siempre se dijo, El rock cambió a Dylan y Dylan cambió el rock ( y de qué manera) aunque también es cierto que cuando estaba estudiando en el instituto, siendo un "púber" ya había formado algún modesto grupo de rockn,roll, que empezaba entonces a estallar y cambiar el rumbo de la música contemporánea. Como luego veremos, ese concierto de 1966, al igual que otros anteriores se convirtió en un calvario, pues le insultaban y acusaban de traidor. Traidor, porque Bob Dylan tuvo que soportar sobre sus hombros la pesada carga de ser un símbolo de la nueva izquierda contracultural americana que en aquellos comienzos de los 60,s empezaba a hacer tambalearse los cimientos del consistente sistema conservador y capitalista americano.

¡ Qué se va a hacer! la gente había olvidado  que Bobby no era una marioneta, ni un criado de la izquierda o cualquier movimiento al que se le atribuyese. Simplemente, era un alma libre que pasaba por allí, un artista obstinado en descubrirse a sí mismo viviendo la vida como una aventura intensa sin límites, sin clichés, sin etiquetas...salvo la de su propia e intocable libertad. Y ahí sigue en ello hoy en día tras 75 años. ¡Vaya que si sigue y de qué manera!

¡Ah, se me olvidaba! para ahorrar el suspense. No fue a recoger el premio nobel en persona. Tenía compromisos y conciertos ya programados. (!!!) ¿Suena raro eso hoy en día? Por supuesto.
Pero, amigos...estamos hablando de él. Sí ,quién iba a ser... BOB DYLAN.

La historia, o mejor dicho la leyenda, comienza en 1941, cuando en un pueblo perdido en el mapa de la Minnesota profunda, nace un niño procedente de clase media, crece escuchando las emisoras de radio que llegaban de los rincones más remotos de Estados Unidos. Se empapa de todos los artistas, músicos y cantantes más diversos, especialmente folk. Se obsesiona con uno de ellos, Woody Guthrie ( al que poco después conocería personalmente en un psiquiátrico donde le tenían recluido) Al mismo tiempo pasa los días enteros leyendo a los principales autores de la generación beat ( principalmente Jack Kerouac, Neal Cassady y el poeta al que luego conocería en persona Allen Ginsberg ) mientras progresaba tocando una vieja guitarra acústica, a la vez que soñaba cada noche con vivir el estilo de vida intenso, profundo y salvaje de sus héroes "beats".

Cuando comienza la universidad en Minnesota, deja de ir a clase y pasa todas las noches con algún cómplice camarada hasta el amanecer escribiendo prosa espontánea y poesía estilo "beat", mientras tocaba cada vez más y mejor su vieja guitarra.

Por fin, en el crudísimo invierno de 1961, Bobby (que se había cambiado el apellido a Dylan, al parecer en honor al poeta Dylan Thomas) por fin, consigue su sueño. Con apenas 20 añitos, "haciendo dedo" y con poco más de un par de dólares en el bolsillo, más su vieja guitarra, consigue llegar a New York. En concreto al famoso barrio de Greenwich village. El epicentro cultural de la capital cultural del mundo en aquella época. En las frías calles, cafés, pubs y locales de ese emblemático barrio se respiraba el ambiente creativo y libertario "beat" por todos los lados. Un auténtico hervidero artístico y cultural donde cada tarde/noche, multitud de artistas, poetas, actores y músicos absolutamente "amateurs" salían al escenario a expresar o mostrar libremente su arte. Con el único apoyo de las pocas monedas ( si es que se daban) que caían en su sombrero y buscando dormir en cualquier rincón que alguien les ofreciera, para al día siguiente levantarse y volver a empezar otro nuevo día y otra nueva noche.

Esos si que eran "indies", ¿eh? no los de ahora. Sólo que no existía ese nombre. Sólo quería seguir los cantos de sirena de los míticos de la generación beat. Pero los 60,s empezaban y en el mundo, en particular en USA  las cosas iban a cambiar muy rápida y radicalmente....y de qué manera.
Resumiendo, Dylan tras tocar  siempre en último lugar  en lugares míticos como el "café wha?" ante escasas personas, rápidamente va progresando a velocidad de vértigo. Empieza a llamar la atención de cada vez más gente por su forma de cantar y por las cosas que decía ( auténticas pequeñas grandes joyas literarias, que escribía continuamente y que por primera vez en la historia un cantante "folk" expresaba.)

Empezaba a llamar poderosamente la atención como un chico de tan sólo 20 años era capaz de escribir esas historias tan reales, crudas y desgarradoras sobre la calle, sus gentes, sus sueños, miedos, inquietudes y miserias. Esa capacidad introspectiva de diseccionar y analizar los sentimientos y emociones del alma humana, con esa poética literaria no era normal en una persona tan joven y con tan poca vida a sus espaldas. Era una especie de sabio urbano escondido en un cuerpo de 20-21 años.  John H.  Hammond, el célebre manager de Johnny Cash, inmediatamente lo fichó para Columbia records, con el apoyo y admiración que ese chaval también empezaba a despertar en el mismísimo J. Cash. En 1962, con 21 años saca su primer disco "Bob Dylan".

Esa capacidad sobrenatural se fue dirigiendo cada vez más a la descripción de los menos favorecidos y las circunstancias que le rodeaban. A medida que pasaba el tiempo, Bob empezó a desarrollar una capacidad cada vez mayor y mejor para captar los cambios sociales y políticos que se iban produciendo a su alrededor. Incluso era capaz de intuirlos o vaticinarlos, como lo demuestran canciones como " A hard rain,s a gonna fall " o su clásico "Blowin, in the wind", que se convertirían no sólo en himnos de su generación, sino en la banda sonora de las imágenes inolvidables de aquellos convulsos años que cambiarían poco después el mundo, suponiendo un punto rupturista de inflexión que ha llegado hasta nuestros días.

Para entonces, era inevitable que Bob Dylan se relacionase con los cantantes folk de izquierdas y de movimientos por la lucha de los derechos civiles y sociales, que pasaron a llamarse "cantantautores protesta". Acompañado de una de sus más firmes activistas, la icónica Joan Baez, se hicieron muy buenos amigos ( probablemente amantes)

Bobby estuvo en 1963 en la famosa marcha de Washingthon, donde actúó tras el célebre discurso de Luther King, que acabó con el mítico " I have a dream". Poco después, en noviembre de ese mismo año, se produjo uno de los acontecimientos que más marcaron a USA en aquella época; el asesinato del presidente Kennedy. Además aumentaban los disturbios raciales, las cargas policiales ante los movimientos protesta en universidades como la de Berkeley, el comienzo de la guerra de Vietnam y la lucha por los derechos humanos y de igualdad que estaban saturando un clima cada vez más tenso e irrespirable.

Mientras Bob Dylan, sin pretenderlo se había convertido en el ídolo de la juventud rebelde contracultural de su tiempo. Todos querían ser como él, acercarse a él, saber más de él. En definitiva todos querían más de él.

Para 1964, Dylan se encontraba absolutamente harto y hastiado. Personalmente, creo que como a muchos norteamericanos, el asesinato del prometedor Kennedy le dejó muy tocado.

Empezó a distanciarse cada vez más. Los artistas folk de izquierdas le reclamaban una y otra vez para que tocase en festivales y  congregaciones protesta. Definitivamente, la etiqueta de cantautor protesta o izquierdista  no la soportaba más. Fue entonces cuando se rebeló y declaró públicamente "no ser el criado de izquierdas de nadie. Soy un trovador independiente" y sobretodo aquella genial frase sorprendente para alguien tan joven con la presión social de entonces. Algo que aún hoy en día muchos ilustres adultos teóricamente formados no entienden cuando hablan de política. Dijo.." No entiendo derecha e izquierda, blanco o negro. Sólo entiendo arriba y abajo. Lo que intento es estar lo menos abajo posible mientras intento dejar de pensar en algo tan trivial como la política" ¡¡GENIAL!!!

A sus sólo 23 años, Dylan se desencantó de la maraña siempre confusa y manipuladora de la política. Eso no quiere decir que muchos de sus textos y canciones se inspiraran y basaran en los desfavorecidos o en las injusticias. Simplemente él operaba en otra dimensión. Al fin y al cabo Bobby era un artista libre y quería seguir progresando como tal a la vez que como persona, sin que nadie le tuviese que decir qué hacer o cómo pensar. Ese principio irreductible lo ha llevado hasta nuestros días. Eso tiene mucho mérito y me parece digno de admiración.

En 1965, Dylan decide dar el paso. Cambia radicalmente. Entra en el estudio y en tres días graba el álbum "Bring it all back home" que junto al posterior "Highway revisited 61" y "Blonde on blonde" (1966) supondrían su definitivo paso a la música eléctrica. Cambió sus letras protesta por otras más abstractas y surrealistas. Se empezó a mostrar arisco y distante con la prensa, fans y sus problemas con sus antiguos colegas de la música "folk" fueron aumentando.

No sólo se alejó de Joan Baez, la cual parece ser sigue aún hoy en día resentida, sino que empezó a alternar con The Beattles ( especialmente con John Lennon) y otro tipo de músicos más innovadores. Antes de emprender la famosa gira de 1966 ( de la que se han cumplido ya 50 años) ya en 1965 fue abucheado, insultado en diferentes conciertos, como en el festival folk de Newport, donde al tocar unas canciones con la guitarra eléctrica, el mítico "folkie" Pete Seeger, estuvo apunto de cortar los cables con un hacha. Cuando se empezó a preparar la famosa gira internacional de 1966, la mayoría de sus músicos acompañantes declinaron ir por no poder aguantar la presión y sentir miedo. Miedo, no es precisamente una palabra que entre en el vocabulario de nuestro Bobby. Así que reunió a otros músicos, que posteriormente formarían la mítica "The band" y comenzaron la gira. Los abucheos, silbidos e insultos no pararon allá donde fueron. Los enfrentamientos verbales con la prensa fueron antológicos. Pueden encontrarse muchos de ellos en " YouTube". Nadie podía con Dylan a nivel verbal. A él siempre pareció no afectarle las cosas. No obstante cuando se acercó el mítico último concierto en Londres ( según la discográfica) hasta al propio Bob se le veía realmente tocado. Cansado, harto, demacrado, falto de horas de sueño y muy irascible. Cuentan que quería dejarlo durante varios años. Luego su accidente posterior de moto le ayudaría involuntariamente a que así fuera.

Finalmente llegó el mítico directo "London 1966" ( uno de los directos más vendidos de la historia)Era el último de la gira. La primera parte del directo fue en acústico y la segunda parte eléctrica, con una rabia, intensidad y furia que aún hoy en día al escuchar el disco te estremece. Al salir a tocar la última canción "Like a rolling Stone" ( ver video de cabecera) es cuando se produjo el famoso incidente. A parte de los continuos abucheos, alguien de entre el público le gritó el ya célebre "JUDAS!" al que Dylan contestó mientras comenzaba la última canción con su característica displicencia un...." I DON'T BELIEVE YOU.YOU,RE A LIAR" que se puede escuchar perfectamente en el disco.

Decir que todo lo que aquí se ha comentado fue narrado cinematográficamente de manera magistral, como no podía ser de otra manera por el gran Martin Scorsese en su magnífico "No direction home" ( 2005)  donde de la mano de Bob Dylan emprende un viaje fascinante a la Norteamérica de aquellos primeros años de los 60,s, en plenos movimientos contraculturales que cambiaron el país y por extensión gran parte del mundo hasta nuestros días. Con imágenes inéditas y de archivo, entrevistas y apariciones del propio Dylan, meticulosa y perfectamente escogidas, consiguiendo trazar un fresco fílmico realmente apasionante e instructivo. Absolutamente recomendable e imprescindible para quien quiera no sólo conocer de dónde vino todo y cómo se produjo, si no para cualquier amante del buen cine y del buen gusto en general.

Antes de terminar, me gustaría resaltar porqué se considera a Bob Dylan el maestro de maestros y con casi toda seguridad uno de los grandes genios en general del s.XX particularmente, también de lo que llevamos del XXI.

Como se ha dicho en multitud de ocasiones, fue el primero en introducir "cerebro" y contenido real en el pop y en el rock. Hasta entonces, incluso los cantantes de blues, folk o country no decían gran cosa en sus canciones. No olvidemos que al margen de ser un excelente músico, Dylan básicamente era un escritor, un trovador literario con una impronta personal única. Un visionario del imaginario particular y colectivo excepcional a lo que sabía ponerle palabras de una forma que nadie podía. Era y es capaz de expresar con palabras y acordes de guitarra  los acontecimientos interiores y exteriores que nos afectan a todos de una forma sutilmente inteligente, atrevida y mordaz.

Como dice un verso del propio Bowie, quien dedicó un tema al gran Bobby, en "Song for Bob Dylan" de 1971; " Te sentaste detrás de millones de ojos y les contaste lo que veías".

Al margen de esto, Dylan fue el impulsor del modelo de artista constantemente cambiante, inquieto e innovador en el mundo de la música moderna. Guiándose sólo por su instinto, al margen de modas.
Es evidente que de todo esto, tomaron buena cuenta los que vinieron detrás. Lennon, Bowie,Tom Waits o Bruce Springsteen son buenos ejemplos de ello.

A parte de la forma única, transgresora e innovadora de componer, encajar esas tremendas historias en compases de una canción pop o rock, sus armonías, tonalidades o acentos vocales son otra muestra de un genio único que transformó la música pop y rock al mismo tiempo que se iba transformando a sí mismo continuamente sin parar. Y luego, por supuesto, su carisma y personalidad. Algo que se tiene o no. Y sí, Bobby lo tiene.

Para ilustrar todo lo extensamente comentado, hemos escogido dos temas subtitulados en el video de cabecera.

El primero, considerado uno de los himnos musicales más grandes de la historia. El clásico, "Like a Rolling Stone". Una explosión vital de energía que cuenta una historia dura sobre una chica que vivía en la abundancia, se reía y despreciaba a los desfavorecidos, hasta que la caprichosa vida le puso a mendigar por las calles. 

Lo apasionante de este tema, según se cuenta, es que en principio era una novela corta de 35 páginas que Dylan había escrito en una noche y que al final le convencieron para que la comprimiese en una canción de 5 minutos. Aquí tenemos un ejemplo de lo que era y es capaz de hacer este nuevo premio nobel. Sí, aunque a alguno les escueza.

Por cierto, muy importante comentar, que el "Like a Rolling Stone" que podemos disfrutar en el video de presentación pertenece a ese mítico último concierto en Londres de 1966. También forma parte del film que hemos recomendado de Scorsese "No direction Home".

De hecho, en el film, aparece el anteriormente aludido insulto y su correspondiente réplica. Pero, en el video que aparece arriba, no. Es justo después de ese incidente.

Posteriormente dejamos otro tema de Dylan "Abandoned love" subtitulado, donde podemos disfrutar no sólo de otra letra excepcional, si no de una excelente fotografía que nos sirve para darnos una vuelta por aquellos mágicos años 60,s y posteriores 70's con su maravillosa y siempre impactante estética, así como por la biografía del protagonista.

Tras ese fatídico 2016 que se nos ha llevado a muchos grandes no sólo de la música; Bowie, Lemmy, Prince, Leonard Cohen ( el último en caer) por citar algunos o gente irrepetible a la que la humanidad debe tantísimo como Muhammad Alí.

Celebremos que con 75 años siga dando conciertos en su famoso "never ending tour" por todo el mundo, el genio de genios, el maestro de maestros. ¿A quién le importa el nobel?
Importa que siga acrecentando su leyenda entre nosotros.

Y que dure....